Author: alemace

ARCHITECTURE | CHENGDU

Chengdu, metropoli cinese dalla forte vocazione finanziaria e commerciale, può essere considerata la capitale mondiale dei ponti pedonali.

Il Jiaozi Ring è il primo cavalcavia con funzioni multiple nel paese del Dragone. Inaugurato nel 2021, caratterizza il distretto delle Tianfu Twin Towers sia di giorno (grazie al colore rosso fiamma tipico della tradizione cinese) sia di notte (per lo spettacolo di luci).

Il ponte paesaggistico, destinato a pedoni e ciclisti, ha un diametro interno di 90 metri e un diametro esterno di 110 metri. Si colloca, a mo’ di raccordo anulare, a cavallo di un incrocio particolarmente complesso e nevralgico. Sul pavimento, la fascia in cemento blu è destinata ai ciclisti.

Il Jiaozi Ring è avvolto da una struttura reticolare dalle forme fluide e flessuose. Oltre a generare uno spettacolo di luci, costituisce un ottimo punto di osservazione rispetto ai grattacieli circostanti.

The fire ring – Chengdu, a Chinese metropolis with a strong financial and commercial vocation, can be considered the world capital of pedestrian bridges.

Jiaozi Ring is the first overpass with multiple functions in the country of Dragon. Inaugurated in 2021, it characterizes the Tianfu Twin Towers district both during the day (thanks to the flame red color typical of the Chinese tradition) and at night (due to the light show).

The landscaped bridge, intended for pedestrians and cyclists, has an internal diameter of 90 meters and an external diameter of 110 meters. It is located, like a ring jonction, straddling a particularly complex and crucial road intersection. On the floor, the blue concrete band is intended for cyclists.

The Jiaozi Ring is wrapped in a reticular structure with fluid and supple shapes. In addition to generating a light show, it is an excellent observation point with respect to the surrounding skyscrapers.

FASHION | KANSAI YAMAMOTO

Fuori dalle regole e dai ritmi del fashion system, Kansai Yamamoto ha operato sempre all’insegna della libertà espressiva e della fantasia pura. La sua attività ha segnato l’evoluzione della moda tra gli anni ’70 e ’90, in un contesto – il Giappone – e in un periodo fortemente inclini alla sperimentazione.

Il suo linguaggio si impernia su una figurazione stilizzata, mentre il suo immaginario esplosivo oscilla in senso circolare tra il pop occidentale, i manga nipponici e la tradizione folk. Per questo i suoi abiti non possono che essere inondati da colori accesi, a contrato, senza precisi codici tonali. Difatti le creazioni di Kansai – si firmava semplicemente con il nome di battesimo – si ispirano al concetto di “basara” (“massimalismo selvaggio).

Possiamo affermare che abbia codificato ante-litteram il filone Pop della moda, in netto anticipo sui tempi rispetto a moltissimi colleghi, costruendo un mondo estetico realmente e organicamente “popolare”.

Wild maximalism – Outside the rules and rhythms of the fashion system, Kansai Yamamoto has always worked under the banner of freedom of expression and pure imagination. Her activity marked the evolution of fashion between the 70s and 90s, in a context – Japan – and in a period strongly prone to experimentation.

Her language hinges on a stylized figuration, while her explosive imagery oscillates in a circular sense between Western pop, Japanese manga and folk tradition. For this reason, her clothes can only be flooded with bright, contrasting colours, without precise tonal codes. In fact, Kansai’s creations – she signed herself simply with her first name – are inspired by the concept of “basara” (“wild maximalism”).

We can say that he codified the Pop trend of fashion ante-litteram, well ahead of the times compared to many colleagues, building a truly and organically “popular” aesthetic world.

ART | ENMANUEL MASTROIANNI

Oramai la distanza tra arte contemporanea e progettazione digitale è pari a zero. Lo dimostra anche il lavoro di Enmanuel Mastroianni, che contamina la creazione architettonica con quella del manufatto artistico.

Ma non solo. In Plano Virtual l’artista (venezuelano, classe 1990) si avvicina alle esperienze dell’Arte Programmata e Cinetica, ovvero dell’avanguardia degli anni ’60. Innanzitutto quest’opera, un po’ come tutta la produzione di Mastroianni, si pone a crinale tra scultura e arredo: il gioco di sporgenze e rientranze suggerisce una sue funzionalizzazione, come se fosse un room divider.

Il manufatto è costituito da decine di tubolari in verro e da lastre in acrilico. La verniciatura dei tondini in rosa shocking, accostato alle tinte esplosive dei pannelli trasparenti, determina un effetto assai audace, frutto anch’esso di un’espressività pienamente digitale.

Optical functionalist – By now the distance between contemporary art and digital design is zero. This is also demonstrated by the work of Enmanuel Mastroianni, who contaminates architectural creation with that of the artefact.

But not only. In Plano Virtual the artist (Venezuelan, born in 1990) approaches the experiences of Programmed and Kinetic Art, or the avant-garde of the 60s. First of all this work, a bit like all of Mastroianni’s production, is placed on the ridge between sculpture and furniture: the play of protrusions and recesses suggests its functionalization, as if it were a room divider.

The artifact is made up of dozens of boar tubes and acrylic plates. The painting of the rods in shocking pink, combined with the explosive colors of the transparent panels, determines a very bold effect, also the result of a fully digital expressiveness.

CERAMICS | COBALT & KIN

Formatasi come incisore al Sydney College of the Arts, Chrystie Longworth è stata poi ossessionata dall’argilla, tanto da esplorarne, negli ultimi 15 anni, le sue infinite possibilità.

Il suo marchio Cobalt & Kin è stato forgiato con il mantra “Treasures Worth Keeping”, dove tutti i pezzi sono intrisi di una sensazione di fatto a mano.

Non interessata a competere con la “perfezione” degli oggetti realizzati a macchina, Chrystie è più interessata ai piccoli dettagli che fanno cantare davvero un manufatto.

Anche la collezione di stoviglie proposta di recente rivela questo approccio all’artigianato. Per la realizzazione di piatti, vassoi e ciotole la designer ha rinunciato a ogni strumento meccanico, tornio in primis. Il suo codice espressivo risiede proprio nella irregolarità e nella varietà cromatica, amplificata dalle impronte dei polpastrelli che fanno vibrare la materia.

Fingerprints on material – Trained as an engraver at the Sydney College of the Arts, Chrystie Longworth has since become obsessed with clay, so much so that she has been exploring its infinite possibilities over the past 15 years.

Her brand Cobalt & Kin has been forged with the “Treasures Worth Keeping” mantra, where all her pieces are infused with a handmade feel.

Not interested in competing with the “perfection” of machine-crafted objects, Chrystie is more interested in the little details that really make an artifact sing.

The recently proposed tableware collection also reveals this approach to craftsmanship. For the creation of plates, trays and bowls, the designer has renounced any mechanical tool, especially the lathe. Her expressive code lies precisely in the irregularity and chromatic variety, amplified by the imprints of the fingertips that make the material vibrate.

SITE SPECIFIC | FOSBURY ARCHITECTURE

Questo progetto di Fosbury Architecture rivendica la riappropriazione dello spazio domestico in chiave ludica. Una volta che la maggior parte delle azioni quotidiane (mangiare, giocare, fare la spesa, ecc.) può essere esternalizzata, il design degli interni può essere liberato dal funzionalismo e adattato ai rituali puri.

L’installazione è concepita come una serie di volumi che interpretano le abitudini più convenzionali (dormire, conversare, rilassarsi, ecc.) attraverso volumi elementari che fungono da supporto espositivo e pratico.

Questa scena abitativa – dai caratteri assai radicali, a dire il vero – è concepita come un interno monomaterico e monocromo rivestito di pelliccia sintetica, assunta come sinonimo di comfort e di intimità. Un unico ambiente immersivo accoglie un’ampia gamma di occupazioni informali nella Galleria Magazin di Vienna. L’intrattenimento è affidato a una serie di cortometraggi, vere e proprie performance filmiche di vari autori.

Pure comfort – This project by Fosbury Architecture claims the re-appropriation of domestic space in a playful key. Once most of the daily actions (eating, playing, shopping, etc.) can be outsourced, interior design can be freed from functionalism and adapted to pure rituals.

The installation is conceived as a series of volumes that interpret more conventional habits (sleeping, conversing, relaxing, etc.) through elementary volumes that act as display and practical support.

This living scene – with very radical characteristics, to tell the truth – is conceived as a mono-material and monochrome interior covered in synthetic fur, taken as a synonym of comfort and intimacy. A single immersive environment accommodates a wide range of informal occupations in the Gallery Magazin Vienna. Entertainment is entrusted to a series of short films, real filmic performances by various authors.

RETAIL | BALENCIAGA

Lo scorso aprile è apparsa un’altra “invenzione” della maison Balenciaga. Il direttore creativo Demna Gvasalia ha voluto un restyling del tutto particolare (e temporaneo) dello store di Londra, in Mount Street. Per promuovere la nuova versione di Le Cagole, la borsetta iconica del marchio parigino, il negozio è stato rivestito completamente da pelliccia sintetica a pelo lungo di color rosa. Pavimento, pareti, espositori, sedute e scaffali hanno assunto così un effetto tattile e visivo assai audace, capace di travolgere il cliente in un trip polisensoriale.

L’uso di questo materiale non è affatto nuovo – si pensi ai gruppi radicali degli anni ’60 e ’70 – ma in questa realizzazione esso appare totalizzante e immersivo, soprattutto grazie alla tinta unita, percepibile anche dalla strada, attraverso le vetrine.

Pink like the panther – Last April, another “invention” from the Balenciaga Maison appeared. The creative director Demna Gvasalia wanted a very special (and temporary) restyling of the London store, in Mount Street. To promote the new version of Le Cagole, the Parisian brand’s iconic handbag, the store was completely covered in long-haired pink synthetic fur. Floor, walls, displays, seats and shelves have thus taken on a very bold tactile and visual effect, capable of overwhelming the customer in a multi-sensory trip.

The use of this material is by no means new – think of the radical groups of the 1960s and 1970s – but in this creation it appears all-encompassing and immersive, above all thanks to the solid colour, which can also be perceived from the street, through the shop windows.

ARCHITECTURE | GOETHEANUM

Il Goetheanum è un edificio monumentale progettato da Rudolf Steiner, che ne fu anche il fondatore. Egli definì lo definì come “un edificio vivente posto all’interno di un corpo plastico”: la plasticità delle forme deriva da un uso organico e visionario del cemento armato a vista, al tempo un materiale del tutto eterodosso.

Si trova a Dornach (nei pressi di Basilea, Svizzera) e rappresenta una delle rare architetture del filone espressionista. A quasi un secolo dalla sua inaugurazione è un’opera poco conosciuta. Oggi è un centro congressi, ma in origine era un centro di studi antroposofici.

I volumi interni, flessuosi e dinamici, sono stati decorati – non sappiamo se su indicazione di Steiner o se in virtù di interpretazioni successive – con colori intensi ma sbiaditi, rarefatti disomogenei, che creano l’immagine di caverne artificiali, da forte coinvolgimento spirituale.

Esoteric caves – The Goetheanum is a monumental building designed by Rudolf Steiner, who was also its founder. He defined it as “a living building placed inside a plastic body”: the plasticity of the forms derives from an organic and visionary use of exposed reinforced concrete, at the time a completely heterodox material.

It is located in Dornach (near Basel, Switzerland) and represents one of the rare architectures of the expressionist vein. Almost a century after its inauguration, it is a little known work. Today it is a congress center, but it was originally a center of anthroposophical studies.

The internal volumes, supple and dynamic, have been decorated – we do not know if on the recommendation of Steiner or if by virtue of subsequent interpretations – with intense but faded colors, rarefied and inhomogeneous, which create the image of artificial caves, with a strong spiritual involvement.

SET UP | MVRDV

Alcuni mesi fa l’Het Nieuwe Instituut di Rotterdam ha annunciato con orgoglio The Podium: una spettacolare piattaforma sulla sommità dello stesso centro culturale che, per la prima volta, si è resa accessibile al pubblico.

La stupefacente installazione rosa fluo, raggiungibile mediante un’apposita e imponente scala esterna, è stata progettata da MVRDV, uno dei più importanti studi di architettura olandesi.

Aperta dal 1 giugno al 17 agosto 2022, The Podium ha offerto un’opportunità “panoramica” per vivere l’architettura, la città, il Parco dei Musei e l’istituto da una prospettiva completamente nuova, in un imponente gioco tridimensionale. Questo palcoscenico cittadino occupava il tetto a un’altezza di 29 metri. Oltre ad accogliere una mostra interattiva i primi lavori di MVRDV, ha ospitato numerose iniziative culturali e multidisciplinari per gran parte dell’estate.

La scelta cromatica che connota questo intervento temporaneo vede l’affermazione del rosa shocking come tinta di tendenza.

Shocking terrace – A few months ago, the Het Nieuwe Instituut in Rotterdam proudly announced The Podium: a spectacular platform on the top of the same cultural center which, for the first time, became accessible to the visitors.

The amazing fluorescent pink installation, accessible via a special and impressive external staircase, was designed by MVRDV, one of the most important Dutch architectural firms.

Open from 1 June to 17 August 2022, The Podium offered a “panoramic” opportunity to experience architecture, the city, the Museum Park and the institute from a completely new perspective, in an impressive three-dimensional game. This city stage occupied the roof at a height of 29 meters. In addition to hosting an interactive exhibition of MVRDV’s first works, it hosted numerous cultural and multidisciplinary initiatives for most of the summer.

The chromatic choice that characterizes this temporary intervention sees the affirmation of shocking pink as a trendy color.

ARCHITECTURE | ETTORE SOTTSASS JR.

Nell’immaginario collettivo, l’opera di Ettore Sottsass jr. coincide soprattutto con l’ambito del design d’arredo, e in particolare con l’esperienza del marchio Memphis. Per contro, restano abbastanza sconosciuti i suoi progetti di architettura, realizzati per lo più all’estero.

Uno dei lavori più interessanti e più riconoscibili del maestro è la Olabuenaga House a Maui, nelle Hawaii. L’edificio (1989/’97), esprime piena coerenza con il mondo estetico del progettista, che lo concepisce come un incastro complesso di parallelepipedi colorati.

Ma non si tratta di un puro esercizio formale. Il gioco di sfalsamenti e asimmetrie rispecchia l’organizzazione funzionale interna.

Ovviamente la palette cromatica è quella che ritroviamo nei progetti coevi dello stesso Sottsass e di gran parte della corrente postmoderna. Tinte nette e vivaci come il rosso, il verde, il giallo e il bianco caratterizzano anche l’interno (con l’aggiunta di rosa, azzurro e altre declinazioni pastello), che appare simultaneamente friendly e schematico.

From memphis to hawaii – In the collective imagination, the work of Ettore Sottsass jr. coincides above all with the field of furniture design, and in particular with the experience of the Memphis brand. On the other hand, his architectural projects, mostly made abroad, remain quite unknown.

One of the master’s most interesting and most recognizable works is the Olabuenaga House in Maui, Hawaii. The building (1989/97) expresses full coherence with the aesthetic world of the designer, who conceives it as a complex interlocking of colored parallelepipeds.

But this is not a mere formal exercise. The game of offsets and asymmetries reflects the internal functional organization.

Obviously the color palette is the one we find in contemporary projects by Sottsass himself and most of the postmodern current. Clear and lively colors such as red, green, yellow and white also characterize the interior (with the addition of pink, light blue and other pastel shades), which appears simultaneously friendly and schematic.

SET UP | GAETANO PESCE + BOTTEGA VENETA

La recente fashion week milanese ha visto la collaborazione tra un brand del lusso e un gigante del design italiano.

Bottega Veneta ha affidato a Gaetano Pesce l’allestimento della sala in cui ha sfilato la collezione primavera 2023. Il designer ha creato una vera a propria installazione site-specific con la materia che da decenni contraddistingue il suo lavoro a cavallo tra arte e progetto: la resina.

Sul pavimento ha fatto colare i polimeri in versione fluida in modo da creare enormi chiazze di diversi colori, ritoccate con dettagli pittorici. Lo stesso procedimento è stato applicato alle decine di sedie destinate agli spettatori, ognuna diversa dall’altra per tinta e conformazione delle macchie.

A sala vuota l’occhio percepisce il caleidoscopio cromatico, in gioco che riassume la ricerca espressiva e materica di Gaetano Pesce, in un conflitto tra allestimento provvisorio e durevolezza.

Resin on the catwalk – The recent Milan fashion week saw the collaboration between a luxury brand and an Italian design giant.

Bottega Veneta has entrusted Gaetano Pesce with the set up of the room in which he showed the spring 2023 collection. The designer has created a real site-specific installation with the material that has distinguished his work for decades between art and design: the resin.

On the floor he poured the polymers in a fluid version to create huge patches of different colors, retouched with pictorial details. The same procedure was applied to the dozens of chairs intended for spectators, each different from the other in color and shape of the spots.

When the room is empty, the eye perceives the chromatic kaleidoscope, at play that summarizes the expressive and material research of Gaetano Pesce, in a conflict between provisional setting and durability.