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RETAIL | KIDZ STUDIO

Linee curve e morbide. Un’intensa tonalità di viola. Una precisione ritmica nell’esposizione dei prodotti. L’immagine del negozio Flame Moscow, situato nella capitale russa e specializzato in articoli per la profumazione dell’ambiente, a partire dalle candele, ha tutte le caratteristiche per coinvolgere il clinete in un vero e proprio viaggio polisensoriale. Lo studio Kidz ha voluto dare forma a una fiamma fredda, misteriosa e affascinante come il cielo di San Pietroburgo prima del buio.

La composizione è dominata da un supporto bianco con cupola, in posizione centrale, ispirato al design Space Age, mentre una lampada di vetro tedesca vintage rilancia il gioco di luci e ombre.

La foschia di vetro della credenza nell’angolo nasconde fragranze che invitano a esplorare la collezione Flame. Il tema delle fiamme fredde è tracciato anche nella facciata dello spazio: la tenda metallica e la maniglia della porta d’ingresso sotto forma di fuoco sottolineano la collisione degli opposti: leggerezza e peso, trasparenza e densità, caldo e freddo.

Flames of fragrance – Curved and soft lines. An intense shade of purple. A rhythmic precision in the display of products. The image of the Flame Moscow store, located in the Russian capital and specialized in items for fragrances, starting with candles, has all the characteristics to involve the customer in a real multisensory journey. The Kidz studio wanted to give shape to a cold, mysterious and fascinating flame like the sky of St. Petersburg before dark.

The composition is dominated by a white support with a dome, in a central position, inspired by Space Age design, while a vintage German glass lamp revives the play of light and shadow.

The glass haze of the cupboard in the corner hides fragrances that invite you to explore the Flame collection. The theme of cold flames is also traced in the facade of the space: the metal curtain and the handle of the entrance door in the shape of fire underline the collision of opposites: lightness and weight, transparency and density, heat and cold.

ARCHITECTURE | PATH ARCHITECTS

Questo progetto riguarda uno stabilimento/ufficio di 8800 m² per Iran Tablo, uno dei principali produttori di quadri elettrici e fornitori di sistemi elettrici in Iran.
Il processo di progettazione si è concentrato sugli aspetti ingegneristici e sui valori funzionali, mantenendo al contempo una corretta coerenza visiva e una composizione spaziale adeguata. Mentre la geometria principale dell’edificio è rettilinea, il prospetto principale è caratterizzato da un’iconica scala gialla che parte dal piano terra e arriva fino al tetto dello stabilimento.
Questo “fulmine”, con i suoi tratti rigidi e sghembi, prosegue anche all’interno del piano uffici.
Dopo il Beaubourg di Parigi, ecco a NazarAbad una soluzione 2.0 dell’architettura ad alto quoziente tecnologico, dove però le “invenzioni” formali interagiscono brillantemente con il fatto tecnico.

Dynamic technology – This project concerns a factory/office of 8800 m² for Iran Tablo, one of the main manufacturers of electrical panels and suppliers of electrical systems in Iran.
The design process focused on the engineering aspects and functional values, while maintaining a correct visual coherence and an adequate spatial composition. While the main geometry of the building is rectilinear, the main facade is characterized by an iconic yellow staircase that starts from the ground floor and reaches the roof of the factory.
This “lightning”, with its rigid and crooked features, also continues inside the office floor.
After the Beaubourg in Paris, here in NazarAbad is a 2.0 solution of high-tech architecture, where however the formal “inventions” interact brilliantly with the technical fact.

FURNITURE | ATELIER SOHN

Il designer coreano Donghoon Sohn, fondatore dello studio omonimo, si concentra sulle proprietà degli oggetti e ne identifica le variabili in base all’interpretazione dei materiali e delle forme che ci circondano. Ma soprattutto cerca di capire quali possono essere i margini di innovazione e i nuovi processi di realizzazione rispetto a tutto ciò che è consolidato.

Questo approccio lo spinge alla creazione di opere basate su una vera e propria transizione sensoriale.

Lo dimostra soprattutto la capsule collection di complementi d’arredo B.S.P., totalmente autoprodotta, frutto di un uso disinibito delle lastre di tecnomateriale interconnesse da resine fluide.

Queste ultime, in colori diversi, hanno un preciso ruolo costruttivo ma vengono pensate come elemento di identificazione dell’oggetto: sono proprio le sbavature tra una tavola e l’altra a decretare la forte identità della collezione, che sfugge a ogni possibile classificazione del gusto.

The aesthetics of deburring – Korean designer Donghoon Sohn, founder of the eponymous studio, focuses on the properties of objects and identifies their variables based on the interpretation of the materials and shapes that surround us. But above all, he tries to understand what the margins of innovation and new manufacturing processes can be compared to everything that is consolidated.

This approach pushes him to create works based on a real sensorial transition.

This is demonstrated above all by the capsule collection of furnishing accessories B.S.P., entirely self-produced, the result of an uninhibited use of technomaterial sheets interconnected by fluid resins.

The latter, in different colors, have a precise constructive role but are conceived as an element of identification of the object: it is precisely the smudges between one sheet and the other that decree the strong identity of the collection, which escapes any possible classification of taste.

The design intervention generates an image that is nothing short of exuberant, with even baroque accents. Let’s not forget that this chromatic solution winks at the Indian tradition, made of bright and variegated colors.

Furthermore, the static nature of the exhibition contrasts with a rhythmic circulation and a stratified landscape.

RETAIL | MUSE LAB

L’immaginario legato all’acqua si trasforma. L’idea dell’azzurro cristallino si evolve verso una tonalità del tutto insospettabile, derivante dal verde.

Immerso in un parco giochi monocromatico di colori e geometrie, il nuovo showroom di MuseLAB si discosta dai layout di vendita al dettaglio convenzionali reinventando l’esperienza del lounge dedicato all’arredo bagno. Il flagship store Sorbet (del marchio Aquant), situato a Mumbai, appare come un insieme volumi monolitici verde chiaro e vellutato, che contrastano con il rosso bacca di soffitto e impianti.

L’intervento di design genera un’immagine a dir poco esuberante, con accenti perfino barocchi. Non dimentichiamo che questa soluzione cromatica strizza l’occhio alla tradizione indiana, fatta di colori vivaci e variegati.

Inoltre, la staticità dell’esposizione contrasta con una circolazione di tipo ritmico e un paesaggio stratificato.

After light blue, green – The imagery linked to water is transformed. The idea of crystalline blue evolves towards a completely unsuspected shade, deriving from green.

Immersed in a monochromatic playground of colors and geometries, the new showroom of MuseLAB departs from conventional retail layouts by reinventing the experience of the lounge dedicated to bathroom furnishings. The Sorbet flagship store (of the Aquant brand), located in Mumbai, appears as a set of monolithic volumes of light and velvety green, which contrast with the berry red of the ceiling and systems.

The design intervention generates an image that is nothing short of exuberant, with even baroque accents. Let’s not forget that this chromatic solution winks at the Indian tradition, made of bright and variegated colors.

Furthermore, the static nature of the exhibition contrasts with a rhythmic circulation and a stratified landscape.

OUTDOOR | NENDO

Hana-arashi è la serie di arredi da outdoor in tessuto riciclato Paola Lenti dal design sobrio e colorato. Nell’inedita collezione, Oki Sato, alias Nendo, ha modellato lampade, sedute, tavolini e cestini, unendo ritagli tessili derivanti da scarti di produzione, in particolare del tessuto Maris. Il designer nipponico ha creato pezzi unici dalle linee curve, piegandoli e avvolgendoli su sé stessi, fino a creare prodotti dal forte valore estetico e progettuale.

Il tessuto a rete Maris è riciclabile, costituito al 100% di polipropilene, impermeabile e disponibile in 180 tonalità di colori; e può essere sovrapposto e saldato grazie al basso punto di fusione del materiale, evitando l’utilizzo di fili. Proprio questi aspetti tecnici hanno consentito di ottenere i fantasmagorici mix di pattern e colori, che rendono inconfondibile e accattivante la collezione, oltre ad aumentare la forza strutturale dei singoli pezzi.

Garden colors – Hana-arashi is the series of outdoor furniture in recycled fabric by Paola Lenti with a sober and colorful design. In the new collection, Oki Sato, alias Nendo, has modeled lamps, chairs, tables and baskets, combining textile scraps from production waste, in particular from Maris fabric. The Japanese designer has created unique pieces with curved lines, folding and wrapping them on themselves, to create products with a strong aesthetic and design value.

The Maris mesh fabric is recyclable, made of 100% polypropylene, waterproof and available in 180 shades of colors; and it can be overlapped and welded thanks to the low melting point of the material, avoiding the use of threads. These technical aspects have made it possible to obtain the phantasmagorical mixes of patterns and colors, which make the collection unmistakable and captivating, as well as increasing the structural strength of the individual pieces.

INTERIOR | PIA

Questo appartamento, oggi abitato da una giovane coppia, si trova all’ultimo piano di un antico edificio nel cuore di Genova. Le innumerevoli trasformazioni subite dall’immobile nel corso dei secoli, compresa la pesante ristrutturazione degli anni ’90, hanno consegnato uno spazio complesso e ricco di fascino, che i due progettisti (Alessandro Perotta e Valeria Iberto) hanno colto come sfida e come fertile preesistenza per la riorganizzazione degli spazi.

Partendo dal ridisegno di un ampio spazio giorno e dal riposizionamento della scala, si è lavorato su l’inserimento di nuovi materiali e colori che potessero trovare un punto di dialogo con l’esistente.

In questa logica si sono introdotti, in chiave quasi dadaista, dei colori primari che squarciano il luminosissimo volume bianco: il rosso delle porte, il giallo del mobile e il blu chiaro del camino piramidale.

Chromatic assemblage in Genoa – This apartment, now inhabited by a young couple, is located on the top floor of an ancient building in the heart of Genoa. The countless transformations that the property has undergone over the centuries, including the heavy renovation of the 90s, have created a complex and fascinating space, which the two designers (Alessandro Perotta and Valeria Iberto) have taken as a challenge and as a fertile pre-existence for the reorganization of the spaces.

Starting from the redesign of a large living space and the repositioning of the staircase, they worked on the insertion of new materials and colors that could find a point of dialogue with the existing one.

In this logic, primary colors were introduced, in an almost Dadaist key, that break up the very bright white volume: the red of the doors, the yellow of the furniture and the light blue of the pyramidal fireplace.

FOOTWEAR | NIKE

Nel nostro archivio abbiamo ritrovato un interessante (e coraggioso) caso di colore applicato alle sneakers. Lo proponiamo, seppur in ritardo, poiché è diventato un caso davvero memorabile e iconico in tema di colalborazioni tra lil brand e i grandi protagonisti dello sport. In particolare, si tratta di un modello disegnato nel 2020 dal celebre cestista Paul George per Nike.

Lo sguardo sulle PG 4 Pickled Pepper dice tutto: un’esplosione di giallo e arancio sui tecnomateriali che costituiscono la scarpa, dalla suola al mesh della tomaia.

E anche il nome: Pickled Pepper (“peperone sott’aceto”, che è il soprannome con cui il campione è stato ribattezzato in Cina) è sinestesico, dato che l’acidità dei colori ricorda quella del gusto.

La collaborazione tra Paul George e l’azienda americana è poi proseguito negli anni più recenti con molti altri modelli, sempre ad alto contenuto tecnico e prestazionale.

Vintage’s energy – In our archive we found an interesting (and courageous) case of color applied to sneakers. We propose it, albeit late, because it has become a truly memorable and iconic case in terms of collaborations between the brand and the great protagonists of sport. In particular, it is a model designed in 2020 by the famous basketball player Paul George for Nike.

The look on the PG 4 Pickled Pepper says it all: an explosion of yellow and orange on the technomaterials that make up the shoe, from the sole to the mesh of the upper.

And even the name: Pickled Pepper (which is the nickname with which the champion was renamed in China) is synaesthetic, since the acidity of the colors recalls that of taste.

The collaboration between Paul George and the American company has continued in more recent years with many other models, always with high technical and performance content.

PUBLIC SPACE | BENEDETTA TAGLIABUE

Possiamo affermare che il punto di forza della Napoli contemporanea sia rappresentato dal sistema del trasporto metropolitano, che annovera stazioni a dir poco spettacolari, firmate da progettisti di fama internazionale.

La più recente è quella del Centro Direzionale, progettata da Benedetta Tagliabue. La nuova fermata è caratterizzata, per la parte fuori terra, da un’imponente struttura in legno lamellare, che assomiglia a una cattedrale. Sotto terra, le scelte progettuali si avvicinano di più alle logiche del design e della componentistica modulare, secondo una consolidata visione sistemica. Le pareti e i soffitti delle banchine sono rivestiti da pannelli metallici verniciati con tinte vivacissime, dai toni tra il giallo e il rosso. Un effetto esplosivo, che richiama una solarità tutta partenopea. Il lavoro, appena completato, è ancora poco documentato fotograficamente, ma noi siamo in grado di anticiparne la potenza espressiva.

The gold of Naples – We can say that the strong point of contemporary Naples is represented by the metropolitan transport system, which includes stations that are nothing short of spectacular, designed by internationally renowned designers.

The most recent is the Centro Direzionale, designed by Benedetta Tagliabue. The new stop is characterized, for the above-ground part, by an imposing laminated wood structure, which resembles a cathedral. Below ground, the design choices are closer to the logic of design and modular components, according to a consolidated systemic vision. The walls and ceilings of the platforms are covered with metal panels painted with very bright colors, in tones between yellow and red. An explosive effect, which recalls a very Neapolitan solarity. The work, just completed, is still little documented photographically, but we are able to anticipate its expressive power.

SITE SPECIFIC | OLAFUR ELIASSON

Breathing earth sphere è una nuova installazione a firma di Olafur Eliasson. È stata realizzata a Docho Island, in Corea del Sud, scavando all’interno di una collina facente parte di un giardino. Un soffitto aperto sporge dal terreno come una cupola, consentendo alla luce del sole di illuminare direttamente la superficie sotterranea, che appare come un mosaico di tessere poliedriche nei colori rosso, verde e ciano.

Il soffitto aperto incide in modo determinante sull’identità generale dell’ambiente, poiché esso assorbe i cambiamenti della luce naturale e del meteo, lasciando all’opera un forte margine di imprevedibilità.

Entrando, l’installazione evoca il ventre del pianeta che respira, in un’esperienza meditativa che alterna 2D (il pattern cromatico, ottenuto da piastrelle in pietra lavica) e 3D (lo spazio concavo).

Color that breathes – “Breathing earth sphere” is a new installation by Olafur Eliasson. It was created on Docho Island, South Korea, by digging into a hill that is part of a garden. An open ceiling protrudes from the ground like a dome, allowing sunlight to directly illuminate the underground surface, which appears as a mosaic of polyhedral tiles in the colors red, green and cyan.

The open ceiling has a decisive impact on the general identity of the environment, as it absorbs changes in natural light and weather, leaving the work with a strong margin of unpredictability.

Upon entering, the installation evokes the belly of the planet that breathes, in a meditative experience that alternates 2D (the chromatic pattern, obtained from lava stone tiles) and 3D (the concave space).

URBAN ART | TAVAR ZAWACKI

Il californiano Tavar Zawacki è uno degli artisti più rappresentativi nel campo delle installazioni urbane basate sul colore. Questa attività è affianca da un vasto ciclo di opere su tela, sempre di grandi dimensioni. Insomma, l’artista ama inondare le superfici di colore organizzato in chiave geometrica, giocando anche con ombre e sfumature.

Tra i suoi lavori più noti troviamo Fusion, situata a Boston, che riveste un immenso muro di cinta di un impianto urbano altrettanto enorme. Una sequenza di strisce a colori brillanti, ad andamento orizzontale, interpreta il contesto su due piani: la dilatazione della scena periurbana e il flusso incessante di veicoli nella strada prospiciente. Quest’ultimo viene tradotto con un’applicazione pittorica che esalta il movimento, con tinte unite o con giochi di gradazione, secondo reminiscenze perfino futuriste. Ma il colore è anche luce: questo gigantesco pattern cambia effetto visivo anche al variare del cielo e dell’illuminazione stradale.

Super-dynamic road – Californian Tavar Zawacki is one of the most representative artists in the field of urban installations based on color. This activity is accompanied by a vast cycle of works on canvas, always of large dimensions. In short, the artist loves to flood the surfaces with color organized in a geometric key, also playing with shadows and shades.

Among his best-known works we find Fusion, located in Boston, which covers an immense boundary wall of an equally enormous urban installation. A sequence of brightly colored stripes, with a horizontal trend, interprets the context on two levels: the expansion of the suburban scene and the incessant flow of vehicles in the facing street. The latter is translated with a pictorial application that enhances movement, with solid colors or with gradation games, according to even futurist reminiscences. But color is also light: this gigantic pattern changes visual effect even with the variations of the sky and street lighting.