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SITE SPECIFIC | LIGAMA

Il progetto di Farm Cultural Park, voluto da Florinda Saieva e Andrea Bartoli, approda a Mazzarino (Caltanissetta), una delle più interessanti città barocche della Sicilia orientale. “The Embassy of Farm” promuove un progetto di rigenerazione urbana per contrastare il fenomeno di spopolamento dei piccoli centri interni attraverso un’articolata strategia di “diplomazia culturale”, di creatività e di promozione sociale.

Il seicentesco Palazzo Tortorici, fulcro dell’iniziativa, accoglie una serie di affascinanti opere site specific. Fra queste l’intervento pittorico di Salvo Ligama, che occupa un’intera sala. L’artista, su cui teniamo l’attenzione da tempo in quanto utente fedele del Sistema Cromatico NCS, ha rivestito pareti e porte, senza interruzione, con fasce irregolari di lilla e verde in varie declinazioni, che dialogano con il soffitto antico e degradato.

L’irregolarità delle forme si contrappone alla griglia geometrica della pavimentazione, alterando la percezione dello spazio.

Baroque waves – The Farm Cultural Park project, commissioned by Florinda Saieva and Andrea Bartoli, arrives in Mazzarino (Caltanissetta), one of the most interesting Baroque cities in eastern Sicily. “The Embassy of Farm” promotes an urban regeneration project to counter the phenomenon of depopulation of small internal centers through an articulated strategy of “cultural diplomacy”, creativity and social promotion.

The seventeenth-century Palazzo Tortorici, the heart of the initiative, hosts a series of fascinating site-specific works. Among these is the pictorial intervention by Salvo Ligama, which occupies an entire room. The artist, on whom we have been paying attention for some time as a faithful user of the NCS Chromatic System, has clad walls and doors, without interruption, with irregular bands of lilac and green in various shades, which interact with the ancient and degraded ceiling.

The irregularity of the shapes contrasts with the geometric grid of the flooring, altering the perception of space.

FASHION | AKRIS

Albert Kriemler, direttore creativo di Akris, è sempre alla ricerca di nuove osmosi con il mondo dell’arte. Per la collezione invernale 2022 disegnata per il marchio svizzero, il designer ha tratto ispirazione dal lavoro dell’artista tedesco Reinhard Voigt.

Come accade nelle tele di Voigt, gli abiti sono ripartiti in macro-pixel dalle tinte accese, spesso in netto contrasto fra loro. Da questo tripudio di arancioni, verdi e grigi scaturisce un nuovo modo di esprimere la femminilità, per una donna tenace, energica, che però ama le linee morbide e sensuali.

Non a caso, Kriemler fa sfilare le modelle sullo sfondo glaciale di una facciata di vetro, quasi a voler accentuare il contrasto tra l’dea dell’abito “positivo” e la freddezza del mondo attuale.

Master’s pixel – Albert Kriemler, creative director of Akris, is always looking for new osmosis with the world of art. For the winter 2022 collection designed for the Swiss brand, the designer drew inspiration from the work of the German artist Reinhard Voigt.

As happens in Voigt’s canvases, the clothes are divided into macro-pixels with bright colors, often in stark contrast to each other. From this riot of oranges, greens and grays comes a new way of expressing femininity, for a tenacious, energetic woman who, however, loves soft and sensual lines.

Not surprisingly, Kriemler has models paraded against the glacial background of a glass facade, as if to accentuate the contrast between the idea of the “positive” dress and the coldness of today’s world.

PUBLIC ART | CAMILLE WALALA

«L’Adams Plaza Bridge è una struttura affascinante, quindi ho voluto usare quello che c’era come una tela. L’architettura del lungo ponte a tunnel è davvero stimolante e volevo accentuare la sensazione di questa prospettiva esagerata. La tavolozza e i motivi creano un senso di movimento e sorpresa. Spero che porti un sorriso a tutte le persone che lo attraverseranno ogni giorno». Sono le parole di Camille Walala, l’artista londinese autrice di public artwork nel distretto di Canary Wharf.

Nato come temporaneo, ma poi reso permanente, il ponte collega collega One Canada Square al Crossrail Place. Il punto di partenza di Camille era l’architettura a tunnel del ponte. Mediante pellicola di vinile semitrasparente, ha sviluppato una tavolozza di motivi e colori elementari accuratamente selezionati, capaci di procurare ai pedoni una sensazione dinamica.

Running bridge – «The Adams Plaza Bridge is a fascinating structure, so I wanted to use what was there as a canvas. The architecture of the long tunnel bridge is truly inspiring and I wanted to accentuate the feeling of this exaggerated perspective. The palette and patterns create a sense of movement and surprise. I hope it brings a smile to all the people who cross it every day». These are the words of Camille Walala, the London artist and author of public artwork in the Canary Wharf district.

Born as temporary, but then made permanent, the bridge connects One Canada Square to Crossrail Place. Camille’s starting point was the bridge’s tunnel architecture. Using semi-transparent vinyl film, she has developed a palette of carefully selected basic patterns and colors, capable of giving pedestrians a dynamic feel.

PUBLIC SPACE | ROUBAIX

L’artista anglo-nigeriano ha disegnato recentemente Colorama skatepark nella città di Roubaix, nell’estremo nord della Francia. La sua matrice stilistica africana riaffiora nella scelta di grafismi semplici e di colori accesi, perfettamente in sintonia con l’immaginario giovanile.

Questa nuova funzione si insedia all’interno del centro culturale La Condition Publique, in un magazzino ottocentesco ritmato da pilastri. La preesistenza architettonica viene pienamente rispettata, nonostante l’inserimento dei dispositivi e delle piste per le corse in skateboard. Sono soprattutto questi ultimi elementi a essere inondati da colori squillanti ed energetici, valorizzati da un’illuminazione brillante.

Il fatto di intervenire in uno spazio chiuso, assieme alla forza cromatica del paesaggio, rafforza il senso della comunità urbana e dell’identificazione.

Indoor streetstyle – The Anglo-Nigerian artist recently designed Colorama skatepark in the city of Roubaix, in the far north of France. His African stylistic matrix resurfaces in the choice of simple graphics and bright colors, perfectly in tune with the youthful imagination.

This new function takes place within the La Condition Publique cultural center, in a nineteenth-century warehouse punctuated by pillars. The architectural pre-existence is fully respected, despite the inclusion of devices and tracks for skateboard racing. It is above all these latter elements that are flooded with bright and energetic colors, enhanced by bright lighting.

The fact of intervening in an enclosed space, together with the chromatic force of the landscape, strengthens the sense of the urban community and of identification.

FURNITURE | BERLUTI

Appuntamento celebrativo in casa Berluti, nello store parigino di Faubourg Saint Honoré, per scoprire l’eccezionale universo lifestyle della casa. Attraverso un’esposizione concepita come uno spazio intimo, la maison parigina – fondata da un calzolaio italiano a fine ‘800 – celebra il valore del cuoio patinato come espressione di un preciso “savoir faire” artigianale. Nell’iniziativa “The Art of Craftsmanship” emerge la Marbeuf Club Chair, vestita in piena pelle Venezia con una dimostrazione della potenza iconografica della patina, dai colori intensi tipici della città di Chandigarh: Pinjore Garden Green, Utopía Blue, Nespola Orange, Rose Garden Pink e Sukhna Sunset Purple.

Questa poltrona era già stata istituita negli anni ’60 nella boutique per offrire comfort ai clienti durante lo shopping. E oggi è stata rilanciata per volontà di Kris van Assche, direttore creativo del marchio.

Armchair matter – Celebratory appointment at the Berluti house, in the Parisian store of Faubourg Saint Honoré, to discover the exceptional lifestyle universe of the house. Through an exhibition conceived as an intimate space, the Parisian maison – founded by an Italian shoemaker at the end of the 19th century – celebrates the value of patinated leather as an expression of a precise artisan “savoir faire”. In the initiative “The Art of Craftsmanship” the Marbeuf Club Chair emerges, dressed in full Venezia leather with a demonstration of the iconographic power of the patina, in the intense colors typical of the city of Chandigarh: Pinjore Garden Green, Utopía Blue, Nespola Orange, Rose Garden Pink and Sukhna Sunset Purple.

This armchair had already been set up in the 1960s in the boutique to offer comfort to customers while shopping. And today it was relaunched by the will of Kris van Assche, creative director of the brand.

RETAIL | CASETIFY

Per il lancio dell’ iPhone 12, Casetify ha reinventato l’esperienza della vendita al dettaglio di accessori per la telefonia mobile. Per il restyling del proprio flaghipstore di Hong Kong, dove l’azienda ha sede, il marchio ha collaborato con Harry Nuriev di New York e con i Crosby Studios di Mosca.

Ispirato alle astronavi raffigurate nel cinema di Hollywood, il nuovo design del negozio trae influenza da varie narrazioni di fantascienza e di cyber-fantasy per fonderli agli elementi del mondo digitale e fisico.

Utilizzando i colori distintivi del marchio Casetify, il team di Crosby ha suddiviso lo spazio in diverse zone a blocchi di colore, che scorrono l’una nell’altra per formare un gradiente continuo. Il negozio replica un accogliente spazio comunitario, invitando i visitatori a creare e a personalizzare i device, con aree per la ricarica (letteralmente e figurativamente).

The dress that makes the phone – For the launch of the iPhone 12, Casetify has reinvented the retail experience of mobile phone accessories. For the restyling of its flagship store in Hong Kong, where the company is based, the brand collaborated with Harry Nuriev of New York and with Crosby Studios in Moscow.

Inspired by the spaceships depicted in Hollywood cinema, the store’s new design draws influence from various science fiction and cyber-fantasy narratives to blend them with elements of the digital and physical world.

Using the distinctive colors of the Casetify brand, the Crosby team divided the space into several color-blocking zones, which flow into each other to form a continuous gradient. The store replicates a welcoming community space, inviting visitors to create and customize devices, with areas for recharging (literally and figuratively).

WALL PAINTING | RHYS DOUGLAS FARRELL

L’affascinante mondo dell’Optical ritorna grazie alla ricerca di Rhys Douglas Farrell, artista emergente che vive e lavora a Calgary, Canada. Il suo lavoro è una combinazione di colori e ritmi geometrici, spesso complessi, che si traducono in quadri o in wall painting.

Gradations of Gratitude è il titolo di una sua recente commissionata da un gallerista della sua città natale, impegnato nella creazione di una vera e propria galleria a cielo apertio di opere murali. Qui Farrell agisce in un contesto molto particolare. Dipinge personalmente con l’acrilico la facciata di un minuscolo edificio in mattoni inglobato tra i grattacieli.

Per la scelta dei colori, l’artista ha dichiarato di ispirarsi al pistacchio in pasticceria. E difatti troviamo dei quadrati concentrici in gradazioni cromatiche del verde…

Proprio perché l’opera è nascosta, provoca un forte impatto emozionale per le poche persone che hanno accesso al cortile.

Squares with pistachio – The fascinating world of Optical returns thanks to the research of Rhys Douglas Farrell, an emerging artist who lives and works in Calgary, Canada. His work is a combination of colors and geometric rhythms, often complexes, which result in canvas or wall painting.

“Gradations of Gratitude” is the title of one of his recently commissioned by a gallerist in his hometown, engaged in the creation of a real open-air gallery of murals. Here Farrell acts in a very particular context. He personally paints the facade of a tiny brick building incorporated between skyscrapers with acrylic.

For the choice of colors, the artist said he was inspired by pistachio in pastry. And in fact we find concentric squares in shades of green …

Precisely because the work is hidden, it causes a strong emotional impact for the few people who have access to the courtyard.

ARCHITECTURE | FRAN SILVESTRE

Il progetto di questa villa fa convivere lo studio di un musicista con la sua abitazione. Situato in una zona residenziale vicino a Valencia, l’edificio si presenta come un volume regolare e rigido contenuto in un recinto di cemento.

Il pianterreno, con muri grigio chiaro, è fortemente estroverso e dialoga con la piscina e il giardino. Ma il piano superiore, che ospita la zona notte, è totalmente bianco e introverso e dialoga solo con il cielo. Lo spazio è organizzato secondo un’articolata compenetrazione tra corridoi, patii, vetrate e stanze.

Il vuoto è protagonista. Il silenzio, voluto dal proprietario per ragioni acustiche, è tradotto anche nella percezione dello spazio. L’uso del bianco genera un gioco metafisico di luci e ombre, di vuoto e pieno, dissolvendo ogni rigida delimitazione tra una zona e l’altra.

Il disegno di questa villa si colloca sulla scia del minimalismo architettonico, ma il risultato emozionale è assolutamente massimalista.

Silence is white – The design of this villa brings together a musician’s studio with his home. Located in a residential area near Valencia, the building looks like a regular and rigid volume contained in a concrete enclosure.

The ground floor, with light gray walls, is strongly extroverted and communicates with the swimming pool and the garden. But the upper floor, which houses the sleeping area, is totally white and introverted and communicates only with the sky. The space is organized according to an articulated interpenetration between corridors, patios, windows and rooms.

The void is the protagonist. The silence, desired by the owner for acoustic reasons, is also translated into the perception of space. The use of white generates a metaphysical game of light and shadow, of emptiness and fullness, dissolving any rigid delimitation between one area and another.

The design of this villa follows in the wake of architectural minimalism, but the emotional result is absolutely maximalist.

VISUAL DESIGN | MARINA WILLER

Il lavoro di Marina Willer, visual designer londinese, è segnato da incarichi importanti nel campo del branding e dell’editoria, ma restiamo colpiti dal flusso poetico che traspare dai piccoli gesti creativi che affiorano dalla sua quotidianità.
Per Marina diventano espressioni poetiche anche le pagine di un libro, che lei sovraimpressiona con grafismi manuali dai colori vivaci o con i flag segnalibro fluo. La sua affascinante pagina Instagram presenta anche delle sue minuscole installazioni artistiche che artificializzano gli elementi naturali più classici: i sassi e i rami secchi.
La designer dipinge entrambe le tipologie con colori squillanti e contrastati. Nel caso dei sassi – sempre tondeggianti, modellati dall’azione del fiume o del mare – fa ricorso a geometrie elementari, mentre i legni sono decorati ad anelli. È così che l’energia dell’acrilico a tinte forti fa rivivere presenze inanimate, invisibili e dimenticate.

Between poetry and artificial – The work of Marina Willer, a London visual designer, is marked by important assignments in the field of branding and publishing, but we are struck by the poetic flow that transpires from the small creative gestures that emerge from her daily life.
For Marina, even the pages of a book become poetic expressions, which she superimposes with manual graphics in bright colors or with fluo bookmark flags. Her fascinating page on her Instagram also features her tiny art installations that artificialize the most classic natural elements: stones and dry branches.
The designer paints both types with bright and contrasting colors. In the case of the stones – always rounded, shaped by the action of the river or the sea – she uses elementary geometries, while the woods are decorated in rings. This is how the energy of strong-colored acrylic revives inanimate, invisible and forgotten presences.

INTERIOR | IMPRESS

Impress è un franchising spagnolo dedicato all’ortodonzia invisibile. La filiale che vi mostriamo in queste foto è stata inaugurata pochi mesi fa ed è la seconda a Madrid. Essendo rivolta completamente ai bambini, lo studio dell’architetto Raul Sanchez ha impostato sul progetto su due fattori: la giocosità e il dialogo con le preesistenze storiche.
Sono stati valorizzati i muri perimetrali in grossi blocchi di pietra, mentre lo spirito contemporaneo è affidato a un abbondate uso del rosso fuoco, intervallato da pavimenti e pareti in bianco.
L’immagine dello studio dentistico, decisamente informale, è ricondotta a un continuo effetto-sorpresa, intensificato da sporadiche apparizioni del blu.
Nelle stesse settimane è stata anche aperta la sede di Milano, nei pressi del Teatro alla Scala, caratterizzata da un tono di arancio particolarmente carico.

The children’s dentist – Impress is a Spanish franchise dedicated to invisible orthodontics. The branch that we show you in these photos was inaugurated a few months ago and is the second in Madrid. Being completely aimed at children, the studio of architect Raul Sanchez based the project on two factors: playfulness and dialogue with the historical pre-existing structures.
The perimeter walls in large blocks of stone have been enhanced, while the contemporary spirit is entrusted to an abundant use of fiery red, interspersed with white floors and walls.
The decidedly informal image of the dental office is brought back to a continuous surprise effect, intensified by sporadic appearances of blue.
In the same weeks, the Milan office was also opened, near the Teatro alla Scala, characterized by a particularly intense shade of orange.